Exhibitions / News

Nine out of ten
August, 2020


Like quarantine, living is also necessary. Therefore, Projeto Vênus presents its first virtual exhibit: Nine out of Ten. Bringing together six artists represented by the office and three other guests: Adriana Coppio, Camile Sproesser, Flora Rebollo, Janina McQuoid, Luiz Queiroz e Paula Scavazzini, accompanied by notables Giulia Puntel, Olga Carolina e Yan Copelli. Nine out of Ten is an explicit reference to the eponymous Caetano Veloso song in which he sings about walking down Portobello Road in London, encountering the sound of reggae in the early 1970s.

This cultural encounter reflects Projeto Vênus’ spirit and vocation, which hopes to be open to encounters between artists and the public, with freshness and exaltation or laid-back, like delirium itself. Emphatically engaged with actual local artistic production, Projeto Vênus directs its gaze into the world, from its own corner here in metropolitan São Paulo.

Vênus Codex - Yan Copelli

300 desenhos
April, 2020



Abre Alas (A Gentil Carioca)
February, 2020

curated by Keyna Eleison, Pablo León e Yhuri Cruz


reprodução: Cortesia A Gentil Carioca

Treta de Gênero
June, 2019


O programa de exposições Treta é resultado do grupo de acompanhamento de projetos Clínica Geral desenvolvido no Ateliê 397, com mediação de Raphael Escobar e Thais Rivitti, no primeiro semestre de 2019. São três apresentações públicas, em três datas, em que convidamos um crítico de arte para debater os trabalhos realizados a partir de discussões e proposições do grupo nos últimos meses. Em cada dia, serão reunidos grupos de artistas cujos trabalhos apresentam afinidades temáticas.

15 de junho: “Tretas espaciais” Antonio Gama, Bruno Baietto, Marta Masiero, Pedro Ermel
29 de junho: “Treta de gênero” Ananda Trezena, Beatriz Guimarães, Yan Copelli
02 de julho: “Tretas de corpo” Elaine Galdino, Mariana Lachner e Paola Ribeiro

O corpo além do corpo
March, 2019


Élle de Bernardini, Lyz Parayzo, Yan Copelli
Curadoria: Carollina Lauriano

"A partir de quando um corpo é considerado existente? O que vale como corpo? Um corpo pode pertencer a alguém? O que acontece quando ele pertence a alguém, mas o proprietário e o suposto sujeito não são compatíveis? Que tipo de subjugação política é essa?". Tais provocações, feitas por Paul B. Preciado no ensaio que integra o livro The documenta 14 reader, problematizam as crises sofridas pelos corpos que não se encaixam em um regime de política de gênero pautada pelo binarismo.

Se para os poderosos mecanismos de legitimação social, a existência de um corpo possível passa unicamente pelo reconhecimento do gênero masculino e feminino; os que transitam entre um gênero e outro passam a operar em um campo de não-reconhecimento no âmbito social. São esses corpos que não existem, ou não se encaixam, ou operam no campo da invisibilidade social e/ou institucional que interessam para os artistas que integram essa exposição. Aqui, Élle de Bernardini, Lyz Parayzo e Yan Copelli dialogam, por meios de suas obras, o que vale como corpo?

A fim de ampliar a conversa sobre identidade de gênero e sexualidade, a exposição questiona como a concepção fluida de gênero está marcada, diretamente, por negociações de poder. Explorando o gênero além do binarismo, os artistas investigam o lugar do mesmo na arte e sociedade por meio de temáticas que englobam violência institucional, contrassexualidade e expressões de identidade fluída.

Ao percorrer o espaço da galeria, nos deparamos com corpos que sim, existem, e estão especulando sobre novas formas e estéticas a fim de contestar ordens repressivas em um momento de grande agitação política. Dessa forma, aqui, repensar o que de fato constitui um corpo serve como gatilho para repensar novas possibilidades de futuro capazes de provocar mudanças radicais.

The Others / Centro Cultural Brasil - Peru
March, 2019


Tokio Galería en colaboración con el Centro Cultural Brasil-Perú y el apoyo de la Embajada de Brasil en Lima. Muestra colectiva Internacional en el marco de las ferias de Arte en Lima.

Olenka Macassi (per)
Sujeta Val (per)
Yan Copelli (bra)
Alessandra Risi (per)
César Augusto Ramírez (per)
Carla Salamanca (per)
Javier Vivas (ven)
Lucas Garsés (arg)
Amna Maria Lozano (col)
Renzo Boggio (per)
Daniel Jimenez (col)
Ivonne Fernanda (per)

Salad days
January, 2019


SALAD DAYS is an online exhibition featuring the work of 28 contemporary artists from around the world.

It is winter in the northern hemisphere, and the days are dark. The US government shutdown is the longest in history as Trump decides whether his own nation’s economy is more important than building an immense symbolic wall. British PM Theresa May’s Brexit dead was just smashed in Parliament. I, for one, am feeling a little stretched. We continue to make art, talk about it, teach it, attend art exhibitions or fairs, innovate new projects, and curate shows. Sometimes it feels superfluous to spend so much time finding, sharing, and discussing art, especially when it is not directly addressing, let alone challenging, our current political or socio-economic climate. As I look at work, trends inevitably emerge in imagery, subject matter, technique, and so forth. There are numerous reasons that artists begin working in similar ouevres, ranging from community influence (art school, communal studios, group shows), market factors (what their dealers ask for or what collectors are looking for), but there is also the immeasurable influence of the news, of our endless social feeds. When I notice trends emerge, it indicates what artists are looking at, what they’re feeling, what pressures they’re under, what they wish to utilize, challenge, address, or even escape. As a curator, I feel similarly connected to these pressures or expectations, especially of ourselves as creatives whose voices are made public, and understand the inherent responsibility in that. Am I contributing to a meaningful dialogue if I’m making or curating work that is not overtly political, referencing social issues, or challenging the status quo? A few weeks ago I read artist and educator Paul Corio’s end-of-term letter, which was shared with me by another artist, and I duly passed it along. An excerpt from the final paragraph still rings in my head: "[...] even as you seek increasingly greater subtlety and sophistication in your creative output, never feel embarrassed about expressing the true contents of your hearts, whether it be sorrow or exuberance. Use no irony or filter in its genuine expression, and so long as it is in earnest, let none tell you that it is frivolous or beside the point at our tenuous moment." Paul Corio (in Henri Magazine) Some artwork is political. Some work has a social function, seeks justice, or encourages new thinking and changes to outmoded attitudes. And some work is not about that, but no less with those other types of work. Making, looking, and experiencing artwork as a respite, as much as about the things that challenge us, is essential to being able to continue, not only what we ourselves do, but to move forward, and to maintain a broad, open, and constantly shifting dialogue with others. The work in this exhibition is forward-thinking. It is winter and the days are dark: let us think of spring, of brightness, of the good that we can find when we remember to look for and work toward it.

Kate Mothes Curator, yngspc

july, 2020


Fog Machine 
(University of the Underground online exhibition)
Jun, 2020



→ publication

Olhão web residency
Jun, 2020


April - July, 2020


Emma Goldman 1931.

The University of the Underground invites you to apply for the second edition of their Research Bureau which offers a tuition-free research programme of 3 months in Amsterdam and Tbilisi. The research program focuses on building connections between the University of the Underground HQ in Amsterdam and Tbilisi whilst bringing together multidisciplinary practitioners and early career researchers investigating disciplines such as dance and its potential in building organised communities and reinventing politics. Of interest to the research bureau ‘If I Can’t Dance I Don’t Want To Be Part Of Your Revolution’ are the historic collisions between dance,politics and organized communities. We will also consider how they can  inspire one another and what would happen if they merge. How do dance parades undermine power structures or create a blueprint for new ones? What can politicians learn from ballerinas or ‘dancing’ boxers and vice versa? How can new forms of debate develop from voguing and how will new systems of government emerge from modern dance or contemporary jazz?

We hope to support the development of experiential visions, audio broadcasts, magical or rational rituals, bodily protests, new power tunes and soundscapes, new languages to empower countercultures now and in the future.

Through the production of both multidimensional experiential projects, workshops, exhibitions, music, films, radio podcasts, and written texts, we are aiming to act as a point of dialogue between stakeholders, politicians, academics, students,and beyond proposing to portray the value of social dreaming, experiences, dance, and theatre as critical research practices.

Ainda mt nada (curatorial project in collaboration with Felipe Barsuglia)

March, 2020


Participants: Alexandra Martens, Alexandre Nitzsche, Alvaro Seixas, Ana Matheus Abbade, André Dahmer, Andrés Brück, Atelier O Divino, ÃO, BNRUO, Bruno Baietto, Carlos Issa, Estela May, Felipe Barsuglia, Flora Rebollo, Gabriel Junqueira, Gabriel Secchin, Germano Dushá, Hanya Beliá, Iah Bahia, Ingrid Kita, Institute of queer ecology, Julia Panades, Julliana Araújo, JUNO, LCUAS PRIES, Lorna Mills, Marina Benzaquem, Marina Borges, Natalie Braido, Nuno Q. Ramalho, Paola Ribeiros, Pauli Puiupo, Rafael Meliga, Ronaldo Lemos, um haitiano, Vitória Cribb, Wednesday Kim, X-TUDO e Yan Copelli

Less pretentious and more experimental: “ainda mt nada” [still much nothing]. Navigation here is intuitive, random, unmanned and without frills. Several crazy icons and gifs float around the page, and when clicked, they open new windows, images, sounds and videos. The idea came from artists Felipe Barsuglia and Yan Copelli, willing to try out some digital tools while they are away from the studio – both usually work with painting, sculpture, making different objects and, every now and then, together with other artists and curators, hold exhibitions independently. In fact, “ainda mt nada” is just a possible way to continue unfolding artistic investigations with related artists. Everyone, regardless of the language they usually work with, is somehow already incorporating the influence of life and the digitized image in their artistic practice: they observe and feel the current demand that the artist needs to be some sort of influencer and entrepreneur of themselves.
Each artist creates what will be displayed within the platform, and is free to add and edit. Participations include cartoonists, fashion designers and also curators, generating important dialogues between different languages that communicate. In this sense, more than showing processes or work already done, most prefer to play with digital tools and invent a kind of work online, which can be borderline memes, with prints that tell stories, photographs and quarantine diaries, drawings and videos with different forms of visualization. The site is now in its 3.0 version, and should receive another update in the coming days, keeping the associations between the participations free and subjective for those who browse. In a way, aindamtnada is a refuge from likes and popularity rankings. In addition, it is symptomatic that these artists, the vast majority without a gallery or marketing support, prefer to invent new ways of expressing themselves at this moment than trying to sell finished works of art.

text: Felipe Molitor

July, 2019


Gostaríamos imenso de agradecer a presença imensa de todo estas pessoas imensas nesta grande festividade a somente a coisas que estão aqui, agora, neste espaço específico, nesta festa maravilhosa, nesta comemoração per se, neste espaço assombrosamente delicioso, neste conluio de maravilhas, nest casa dos prazeres, neste abrigo de coisas (in)úteis, neste estad pleno de euforia, nesta comedida linha de desespero, nest explosiva linha festiva, neste dia lindo que beija um largo, nest afago pleno em cores claras, neste espaço onde metáfora não da conta, deste risinho amarelo que abraça a todos, desta vontade fortuita de fenestrar tudo, neste abraço aberto que mata como um sorriso, nesta vontade inteira de dançar.

Muito obrigado, muito obrigado, pedimos desculpas pelo tom do
discurso proferido aqui, compreendemos como algumas questõe são caras – e antecipadas, a todos os presentes. Sim, é por aí que entramos. E não, infelizmente acabou o chá. Não, aqui não é a casa de ninguém em específico, mas a casa de todos em específico. A porta está ligeiramente aberta a 45 graus para que todos possa passar por ela, adentrar este convívio, postular dúvidas, entenderporquê está aqui, não apenas aqui onde você, provavelment parado, lê, mas aqui aqui agora etc, perdoe os movimento confusos, é o vinho, mas esperamos que seja clara a nossa intenção de congestionamento simbólico Outra coisa: fica, vai ter bolo, e não se esqueçam de fazer carinho na Lulu.

Artistas Participantes: Allan gandhi, Ana prata, Antonio Simas, Básica TV, Bertô, Bruno Baietto, Felipe Barsuglia, Gabriella Garcia , Marcelo Cipis , Marcelo Jarosz, Natalie Braido, Pedro Caetano, Pedro Ermel, Tereza Belfort, Yan Copelli

A forma das coisas  
December, 2018


For the video “The shape of things”aired in December 2018, I created an experimental workshop in a corporative space that aimed to investigate and explore some ideas on speculative realism with the participants.

the video was the primary part of the exhibition and was shown in individual sessions on a isolated room, called “surgery room”. The participant was invited to sit on the same blue office chair seen on the screen and suffered from a surgery on the arm of this chair while the video was played.

Brilho Raro  
July, 2018


Set design in partnership for the play Brilho Raro, and the scenic objects.

Ressetar (São Paulo Diversity museum)
February, 2020


Com curadoria de Duilio Ferronato, a mostra conta com obras de 12 artistas sobre a retomada da vida após situações de trauma e desmoronamentos.

"A cada cem anos o mundo se resseta. Se muito. Já parou pra pensar que em 2120 você não vai estar mais aqui? Nem você nem mais nenhuma dessas pessoas esbarrando em você no metrô e fazendo você desejar que elas morram. Não precisa, elas vão morrer de qualquer jeito.

O presidente vai morrer. O pedinte deitado no guichê de venda de bilhete vai morrer. O jovem cidadão que agora tem de comparecer à SSA vai morrer.

Mas a estação República do metrô não vai morrer. Nem a terra sobre a estação República do metrô. Nem os prédios sobre a terra sobre a estação República do metrô. O que morre é humano. É o ciclo da vida. Nascer, crescer, ganhar muito pouco, perder muito e morrer.

O humano morre. Mas o que é humano fica vivo. O artista morre, a arte fica. A Vanessão, que está aqui dentro num quadro do Gabriel Almeida, dizem que morreu. Mas ninguém sabe. Os fintchy reais não morreram. Isso eu sei. Porque, mesmo ressetado, o mundo guarda aquilo que marca. E o que marca não pode ser domado nem assinado num decreto. O que marca morre sem morrer.

Morre para nascer sempre. Você pode nos matar, mas nós vamos nascer ali na frente. Nascer mais. Nascer mais fortes --e menos fracos, que são coisas completamente diferentes. Ressetar é o antídoto para a sua punção da morte. Porque a morte é incompetente contra uma coisa que se resseta. É o que vem depois da tela preta.

Então quem tem medo da gente pode desejar nossa morte. Medo por quê? Medo da maravilha que é ressetar a si mesmo. Ser uma coisa que você não deve ser, segundo gente que quer controlar o que não pode ser controlado. Porque ressetamos nossos corpos. Ressetamos da boca a função. Ressetamos o rabo. Ressetamos o rosa e ressetamos o azul. Você pode passar pra frente seu medo e seu ódio, mas ele vai ser ressatado e usado contra o que um dia foi você.

Vamos nascer nos seus filhos. E, se não for nos seus filhos, vamos nascer nos filhos dos seus filhos. O renascimento é a insistência de um Deus que não existe. A insistência em nós, os éles, os gê, os bê, os tê, os quê, os xis, os mais e os zê. E quem mais surgir. E em vocês também, mas um pouquinho mais em nós, porque a gente só existe por insistência. Então pode fazer arminha com a mão. Que com a mão a gente faz arte.

Daqui a cem anos, o mundo vai estar ressetado. Eu não vou estar aqui pra ver. Nem você."

Chico Felitti

Mini e uma noites
November, 2019


Gansho apresenta a primeira coletiva de colaborações com artistas na sobreloja do Condomínio Conde Sílvio Penteado, popularmente conhecido como Copanzinho, por dividir a rua com o célebre vizinho. Mini e uma noite é uma exposição sintoma da nova pinturinha brasileira, reunindo artistas que interceptaram o que há de anedótico nos modelos e protocolos da cultura visual vigente. Estão à fronteira dessa linguagem e no interior dos signos. No espaço expositivo, uma seção do edifício em escala 1:10 materializa-se como maquete que transborda na rua e nos transporta para o outro bloco do prédio. A maquete é também uma tentativa de preencher o Bar do MAM que se instalou lá em 1978. Originalmente uma iniciativa informal da Associação dos Amigos do Museu de Arte Moderna para promover um pólo de produção cultural no centro, está à deriva desde 2001, sob tutela da Secretaria de Cultura.

Reality show
October, 2019


A menina mais feia da turma
October, 2019


Não há meio-termo possível. É preciso
Que tudo isso seja belo. É preciso que súbito
Tenha-se a impressão de ver uma garça apenas pousada e que um rosto
Adquira de vez em quando essa cor só encontrável no terceiro minuto da aurora.
É preciso que tudo isso seja sem ser, mas que se reflita e desabroche
No olhar dos homens. É preciso, é absolutamente preciso
Que seja tudo belo e inesperado. É preciso que umas pálpebras cerradas
Lembrem um verso de Éluard e que se acaricie nuns braços
Alguma coisa além da carne: que se os toque
Como o âmbar de uma tarde.

(VINÍCIUS DE MORAES, “Receita de mulher”)

A palavra grotesco é derivada de grotto — em latim, gruta ou pequena caverna — e teria sido utilizada pela primeira vez no século XIV, em Roma, quando escavações levaram, por acaso, a salões e corredores de um antigo palácio, construído mil e quinhentos anos antes. Entre os itens soterrados, estavam pinturas, imagens e esculturas de figuras híbridas: pessoas ou divindades que eram metade gente, metade animal ou figura mítica.

As formas que hoje nos parecem monstruosas habitavam o imaginário da Antiguidade Clássica com certa naturalidade. Quando esses objetos deixaram o mundo subterrâneo, o mundo aqui de cima havia se transformado de tal modo que foi preciso criar uma expressão nova para designá-los.

O termo grotesco, que acabou se tornando sinônimo de esquisito, bizarro, disforme, também foi incorporado pela literatura. As manifestações grotescas podem ser observadas em diferentes movimentos literários, sempre ressignificadas a partir do momento histórico e das convenções sociais. Portanto, o grotesco é uma categoria não-estanque, uma verdade sempre provisória, que revela muito da cultura de seu tempo.

Quando Emma Bovary diz “como é feia essa menina”, no auge do realismo francês, o estranhamento que a filha causa à personagem de Flaubert é certamente diferente do estranhamento que qualquer figura monstruosa causaria. A filha de Emma é uma criança considerada normal para os padrões de sua época, mas, a mãe, que sente dificuldade em se ligar afetivamente a ela, d um incômodo que só consegue externar nessa afirmação brutal.

Em 2019, quando Elena Ferrante retoma a formulação em seu novo romance (“Dois anos antes de sair de casa, meu pai disse à minha mãe que eu era muito feia”), o deslocamento da ideia de estranho para o que é familiar ecoa o efeito insólito, como propôs Freud no ensaio “O inquietante”, publicado cem anos antes.

Os comentários também têm um recorte de gênero que não poderia passar despercebido: tanto a filha de Emma quanto a narradora de Ferrante são mulheres, para quem a feiúra ainda soa como uma espécie de pecado mortal. A célebre frase de Vinícius de Moraes, abertura do poema citado na epígrafe, ilustra a gravidade do delito: “As muito feias que me perdoem. Mas beleza é fundamental”.

Quando o atual presidente do Brasil faz um comentário sobre a aparência da esposa do presidente da França de forma pejorativa, a aberração de seu gesto parece menos incômoda do que o corpo e o rosto de uma mulher. O que deveria ser bizarro tem sido naturalizado pelo discurso, tecendo a vida cotidiana e estampando as manchetes dos jornais.

Nessa exposição, com curadoria de Juliana Bernardino, 35 artistas apresentam trabalhos que transitam pelo abjeto e representam um mal-estar: “O momento é feio, gore e insalubre. E o que a gente tem para dizer também é bem grotesco”, diz Bernardino.

A partir de uma sobreposição do plano coletivo e do plano subjetivo, A menina mais feia da turma procura dialogar com tensões profundas, atualizadas a partir do horror próprio que assombra o nosso tempo.

Fabiane Secches é psicanalista e doutoranda em Teoria Literária e Literatura Comparada pela Universidade de São Paulo

Abertura dia 19 de outubro. Exposição acontece até dia 09 de novembro.

Artistas participantes:
Abajur, Angela OD, ANNA, Aurora Bernardini, Be Lopse, Bia Leit, Caroline Maria, Carolina Wan, Camila Soato, Eduarda Freire, Élle Bernardini, Felipa Queiroz, Fernanda Azou, Fernanda Galvão, Fernanda Vallois, Fotos dos Outros, Gabriela Monteiro, Heloisa Brandão, Heloisa Pajtak, Isaac Ebner, Julie Dias
Julia Milward, Juliana Bernardino, Lívia Aquino, Lyz Parayzo, Luisa Callegari , Manoela Cezar, Maria Livman, Mari de Camargo, Mari de Queiroz, Marie Queau, Mariana Manhães , Marina Ribas Borges, Mayla Goerisch, Nicole Venturini, Pepi Lemes, Roberta Uiop, Yan Copelli

August, 2019


Oi pessoal, tudo bem?

A exposição ANTES TARDE DUKE NUKEM aporta em uma antiga casa onde já funcionaram clínicas de medicina diagnóstica. Mesmo antes da montagem, da chegada e infiltrada de trabalhos de vinte e seis artistas de meios e suportes variados, coisas ali arquivadas se multiplicavam. A cada armário aberto e sala desbravada: chaves, pacotes, plásticos, papéis, extintores, pias, lixo tóxico.

Diferentes trabalhos se espalham pelas treze salas e entremeios do lugar e não se limitam somente à operar em função de um determinado contexto. É certo que o espaço em questão tem considerada relevância, mas o sistema polifônico que se forma entre as obras supõe um movimento que reverbera para fora dos contornos dados pela experiência espacial. Os elementos que o constituem estabelecem mínimos pontos de contato, entre si e com o lugar, que podem ser percebidos de forma sensível e conceitual por quem os vê / ouve / experimenta.

Cabe ao espectador deslizar e incrustar-se nas múltiplas possibilidades e estratégias presentes na exposição: coisas de diferentes estados e naturezas em relação/contaminação, as vezes compondo com materiais locais, usos insubordinados de objetos, explorações do campo pictórico através de narrativas variadas mas em alguma confluência, texturas em profusão, vídeos, sons, assemblage, performance... Não há um privilégio de uma ideia sobre a outra quando tudo forma uma espécie de organismo composto por diferenças em relação. O impacto conceitual, cromático e estético desse sistema atua na relativa assepsia anterior à (ex) clínica. Uma miríade de novas rotas remontam o lugar e o reterritorializam de modo contingente.

É certo que espaços não existem só por seus planejamentos e construções arquitetônicas, são eles também simbólicos, carregam processos que comportam riscos de falha, como ocorre de modo análogo à linguagem. Em que medida esse texto pode situar? A palavra aproxima ou afasta? Podem seus significados conceituar de modo efetivo alguma coisa? O que eu tento expressar aqui não dá conta de criar senhas ou é capaz de chancelar qualquer história de um lugar e muito menos definir uma exposição coletiva.

Que as palavras aqui enredadas sirvam mais como algo que se sobrepõe aos trabalhos presentes, que se infiltra ao sistema em curso e também ao espaço, suas histórias ocultas e discursos impregnados. Os termos aqui empregados não propriamente auxiliam e jamais se conformam. No limite, contextualizam e apontam sugestões de percurso por uma rede amplamente aberta e virtual – o conjunto de trabalhos presentes na exposição.

Texto: Daniela Avellar

Artistas participantes: Ana Almeida, Ana Frango Elétric, Arthur Chaves, Brnu, Cléo Dobberthin, Daniel Albuquerqu, Davi Pontes, Felipa Queiro, Felipe barsuglia, Franco Paliof, Gabriel Secchin, Gabriela Mureb, Gustavo Torres, Iah Bahia, Ingrid Kit, Janina Mcquoid, Juliana Araúj, Lucas Osóri, Mariana Leico, Mayana Redi, Pri Fiszman, Raiana Morae, Rafael Alonso, Rafael Salim , Victor Mattin, Yan copelli